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La 36° Fiesta Nacional del Teatro desembarca en Chaco desde el jueves 29

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El encuentro que se extenderá hasta el 6 de octubre, reúne a artistas y elencos de todo el país que asumen obras para adultos e infancias, además de talleres y conferencias, entre otras actividades.

Habr propuestas para pblico de todas las edades
Habrá propuestas para público de todas las edades.

La 36° Fiesta Nacional del Teatro 2022, organizada por el Instituto Nacional del Teatro (INT) más el Instituto de Cultura y el Gobierno chaqueños, tendrá epicentro en la ciudad de Resistencia y se extenderá a los corredores de las provincias de Corrientes, Formosa y Misiones entre los jueves 29 de septiembre y 6 de octubre.

El encuentro reúne a artistas y elencos de todo el país que asumen obras para adultos e infancias, además de talleres y conferencias, entre otras actividades.

Acerca del acontecimiento, el director ejecutivo del INT, Gustavo Uano, señaló: “Ya hace un tiempo que venimos pensando en esta Fiesta y encontramos también una gran sensibilidad por parte del Gobierno de Chaco. Me tocó ir tres veces a inaugurar y re-inaugurar salas en el proceso de la pandemia; íbamos a Chaco y encontrábamos salas que se abrían, algo que no sucedía en otras ciudades, por lo menos de Sudamérica, no solo del país».

«Pensamos en Chaco como un centro integrador de la cultura por esa significación que tiene en concreto y esperamos que esta fiesta sea un faro». insistió el teatrista.

Y destacó: «Las acciones que realiza el INT provienen de los recursos de las asignaciones específicas. Ahora que estamos en vísperas del tratamiento de una ley para que se prorroguen, vale decir: La cultura es una inversión y un derecho humano.”

Por su parte, el gobernador Jorge Capitanich señaló que para los chaqueños, como anfitriones, «la 36° Fiesta Nacional del Teatro constituye un motivo de orgullo ser sede por segunda vez y recibir a artistas y elencos de toda la Argentina. Lo hacemos con los brazos abiertos porque se trata de un evento magnífico. Ocho días consecutivos, 100 obras en 30 localidades, que implican la utilización de 14 salas teatrales y 25 espacios abiertos, lo que forma parte de una política cultural que hemos desarrollado en la provincia”.

Las obras a representarse son: “Cruzar la calle”, de Marcella del Turco (Formosa), “(No) estamos ganando” (Catamarca), “Brisas en la siesta”, de Sandra Carola Martínez (Catamarca), “Centro Mundo Bilina”, de Cristian Eduardo Palacios, “Centro Piel de Cabra”, de Santiago Gabriel Raso, “Centro El Bife”, de María de los Ángeles Conde (provincia de Buenos Aires), “Mandato cumplido”, de Diego Nogara (Mendoza), “Ana y Wiwi”, de Lorena Romanin (Capital Federal), y “Flama”, de Daniela Mabel Ríos (Santiago del Estero).

También intervendrán “Ese día en el que nos encontramos todos”, de Víctor Cardozo (Chaco), “Todo debajo”, de Marta Cot (Entre Ríos), “Las casas que integran el viento”, de María Belén Martínez (Tucumán), “Ojos de Pombero”, de Rocío Gómez Cantero (Capital Federal), “Un par”, de José Luis Agüero (Río Negro), “Podestá”, de Rosalía Jiménez (Córdoba), “No soy robot”, de Andrea Asís (Córdoba), “#No compres el chamuyo”, de Marcela Beatriz Bobatto (Misiones), “Paraíso elemental”, de Luisa Ginevro (Mendoza), “Diluvio”, de Mario Alfredo Canales (Santa Cruz).

La lista finaliza con “Espía a una mujer que se mata”, en versión de Edith Gazzaniga (La Pampa), “La bendición”, de Alexis Valente (Chubut), “Sueño”, de Sebastián Ezcurra (Capital Federal), “Paraná porá”, de María Morales (Salta), “Flores blancas”, de Natalio Aníbal Leonel Bognanni (Jujuy), “La mujer puente”, de Virgina Ameztoy (Tierra del Fuego), “La invocación”, de Sebastián Roulet (Santa Fe), “Los cielos de la Diabla”, de Vilma Echeverría (Santa Fe), “Liebres”, de Noé Andrade (Tucumán), “Piel y hueso”, de Laura Inés Veiga (San Luis), “Bye pedir perdón!”, de Marcelo Olivero (San Juan), “Los santos”, de Malen Meazza (Neuquén) e “Infinitas en fases”, de Cintia Alfonso (La Rioja).

La programación detallada en fechas, salas y horarios se puede ubicar en https://inteatro.ar/36fnt/programa/

La historia de los refranes: «No hay peor ciego que el que no quiere ver»

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Según el Evangelio de San Mateo, la frase brotó de boca de Jesús cuando maldijo a los pueblos Corazín, Betsaida y Cafarnaún, porque “viendo que Dios camina con ustedes, no desean la conversión y la vida por Él y dicen no verlo. Son malditos porque viendo no quieren ver”… Difícil contradecirlo.

Telam SE

No hay peor ciego que el que no quiere ver

Obviamente, nadie quiere ser ciego, todos queremos ver. Le preguntamos a cualquier ciego si le gustaría recuperar la visión y seguramente dirá que sí. Pero el refrán va más allá de los ojos, o más adentro… ¡Y sí! La ceguera de quien ve pero insiste en no ver lo que está a la vista… ¡esa es la más difícil de curar!

¿Cómo convencer a alguien de aquello que no quiere ver o aceptar? Hay tanta gente que se empeña en no querer ver la verdad, ya sea porque le da miedo, porque no le gusta, o porque simplemente está mejor creyendo sus propias mentiras… ¡Y sí! No hace falta ver películas para creerlo, a veces con mirarse al espejo alcanza…

Este refrán popular sentencia de modo simple que la peor ceguera que puede padecer una persona es aquella que surge de su interior (inteligencia + voluntad)… Hablamos de personas tercas, tozudas, de pensamiento duro y corto, que no quieren conocer la verdad ¡que conocen!, incluso rechazan escuchar a quien les advierte de su error. Prefieren quedarse con su propia versión. No se vendan los ojos, usan vendas internas.

El refrán «No hay peor ciego que el que no quiere ver» es hermano sanguíneo de «No hay peor sordo que el que no quiere oír» y «No hay peor desentendido que el que no quiere entender»…

Aunque intentemos escondernos de ella, o miremos para otro lado cuando la vemos venir, o intentemos bloquearla como si fuera parte de las redes, la Realidad -señoras y señores, señoritas y señoritos- se impone por sí misma. Está ahí. Siempre está ahí… ¿Problemas? ¡Problemas tenemos todos! Pero hay que enfrentarlos…

El refrán enseña que no es escapándoles como los solucionaremos… A la corta o a la larga, hacer la vista gorda aumenta el colesterol malo… 

Martín Sued creó una Orquesta Assintomática en pandemia y avisa que «Igual estamos acá»

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El bandoneonista y compositor radicado en Portugal desde finales de 2019, aprovechó los primeros permisos en pandemia para armar allí la plurinacional y cooperativa agrupación con la que lanzó su atrapante album debut.

La Orquesta Assintomatica
La Orquesta Assintomatica

El bandoneonista y compositor Martín Sued, radicado en Portugal desde finales de 2019, aprovechó los primeros permisos en pandemia para armar allí la plurinacional y cooperativa Orquestra Assintomática con la que lanzó el atrapante álbum debut «Igual estamos acá», una experiencia sobre la que apunta que «la situación anómala, como suele pasar, propició la creación de algo nuevo».

«En 2020, en esa etapa de parcial desconfinamiento en Portugal, ya estaba de vuelta en Lisboa, instalándonos allá junto a mi compañera y ni bien vi posible organizar un encuentro hablé con algunos de los músicos con los que más afinidad había sentido desde que llegué al país, proponiendo un encuentro semanal de laboratorio», evoca Sued durante una entrevista con Télam.

Martín Sued y Orquesta Assintomática

https://youtube.com/watch?v=clyBuER99lo

De sólida formación y permanentes búsquedas, Martín lideró el quinteto Tatadios (con el que registró dos discos), como solista publicó «Iralidad» y tocó y grabó con Pablo Ziegler, Daniel Binelli, Guillermo Klein, Diego Schissi, Quique Sinesi, Jairo, Liliana Herrero, y Gilberto Gil, entre más.

El músico que en la actualidad es parte del trío del guitarrista brasileño Yamandú Costa e integra dúos con los locales Bernardo Couto (guitarra portuguesa) y Marco Santos (batería y percusión), además de tocar con el grupo Jangada de Pedra, indica que el proyecto de la Assintomática «nos encontró en un momento por un lado crítico y por otro con una disponibilidad de tiempo y una voluntad de hacer música, que dudo que hubiera existido en un contexto diferente».

Sued El contexto donde uno dice algo es en gran medida parte del sentido de lo que uno est diciendo
Sued: «El contexto donde uno dice algo es en gran medida parte del sentido de lo que uno está diciendo.»

El presente de Sued incluye la creación de una obra y un arreglo para el New European Ensemble en La Haya, su integración al Glomus Camp Large Ensemble danés y colaboraciones con Pablo Ziegler y Quique Sinesi.

«El trabajo que tenía para el 2020 estaba todo por venir, y era del que hasta ese momento dependía para subsistir. La salida que pude encontrar en ese momento fue un esquema de trabajo que básicamente se trató de trabajar en el campo a cambio de casa y comida.»

Martín Sued

La Orquesta Assintomática lo reúne con Ariel Rodríguez (Argentina) en piano, teclados y samplers, Sandra Martins (Portugal) en cello, Denys Stetsenko (Ucrania) en violín, Pedro Loch (Brasil) en guitarra eléctrica y Francesco Valente (Italia) en contrabajo.

Télam: Leo que al momento de registrar «Igual estamos acá», estalló la invasión a Ucrania teniendo al violinista oriundo de aquel país y conocieron a refugiados afganos ¿Cuánto impactaron esas vivencias en lo que se escucha?

Martín Sued: Durante dos semanas, en marzo de este año, antes de entrar al estudio a grabar, hicimos una residencia artística en la cual ensayamos diariamente, trabajando sobre los detalles e incorporando algunas músicas nuevas al repertorio. En esos mismos días tuvimos la oportunidad de encontrarnos en Lisboa con un grupo de músicos de Afganistán, refugiados en Portugal debido a la prohibición absoluta de la música en su país. Conocimos algunas de sus dramáticas historias en primera persona pero sobre todo compartimos la música, fue un encuentro muy enriquecedor. En esos mismos días estalló el conflicto en Ucrania, y también lo vivimos de cerca, el violinista de nuestro grupo es ucraniano y paralelamente a los ensayos el estaba en contacto con familiares que estaban viviendo la guerra en carne propia. Cuando se siente tan cerca ese dolor las contradicciones ideológicas de alguna manera pasan a un segundo plano y la música recupera su sentido fundamental: la comunicación profunda y el espacio de encuentro.

En ese contexto trabajamos la música del disco, y su nombre «igual estamos acá» tiene que ver con ese sentimiento, a pesar del dolor estamos acá, encontrándonos para crear algo juntos. Buscando algo de belleza. Tal vez la belleza sea simplemente eso: la transformación del dolor en algo mejor.

T: También por entonces se dio tu propio paso por la vida rural portuguesa ¿Las obras reunidas en el disco responden a ese período? ¿resuenan de una manera diferente?

MS: Mi llegada a instalarme en Portugal coincidió con la llegada de la pandemia. Unos pocos meses después de haber llegado a vivir a Lisboa se interrumpió, como en todo el mundo, la actividad musical. El trabajo que tenía para el 2020 estaba todo por venir, y era del que hasta ese momento dependía para subsistir. La salida que pude encontrar en ese momento fue un esquema de trabajo que básicamente se trató de trabajar en el campo a cambio de casa y comida. Mi madre en esos días estaba de visita en Portugal y debió quedarse seis meses debido al cierre de las fronteras. De manera que nos vimos en la improbable situación de vivir durante meses en el medio del campo en el sur de Portugal. Tuvimos la dicha de que la gente que nos recibió es maravillosa, y el lugar donde estábamos era un paraíso natural. En esos días trabajaba desde la primera hora de la mañana hasta el mediodía en actividades de huerta y mantenimiento en general. Durante la tarde me dedicaba a la música, pero ya sin el costado profesional. Pude recuperar una aproximación a la música sin la interferencia que muchas veces supone su combinación con el mundo laboral. En ese período compuse bastante, estudié y grabé, y de alguna manera empecé a soñar con este grupo.

De alguna manera en lo personal esto fue una manera de conectar con ese sentido de la música popular donde la música existe en un momento del día, posterior al trabajo, y surge de la necesidad de encontrarse, de comunicarse. En este sentido la música que empecé a escribir, se podría decir que es más esperanzada, que trata de brindar algo más amoroso, más simple, en comparación con las cosas que venía haciendo los últimos años.

T: Lo que proponés allí tiene una respiración tanguera ¿Qué sigue llamando la atención del género a músicos de otras latitudes?

MS: Me alegra que se escuche así, en la elección de los instrumentos para esta formación busqué que el timbre de la formación tenga ese color, con el aporte de samplers y sintetizadores, que amplían el paisaje sonoro. Si bien las composiciones no remiten a los elementos técnicos del tango, hay un color ahí, una manera de decir, que me remiten a Argentina.

El asunto de «respirar juntos» es algo que el tango tiene como prioridad, la fluctuación colectiva de tempo, por ejemplo, y la coexistencia de la vehemencia rítmica con la ternura melódica o armónica, por decir lo primero que se me viene a la cabeza. Una música donde muchas veces le damos más importancia al «cómo» se toca que al «qué» se toca.

T: Al respecto ¿Cómo y por qué decidieron conformarse como cooperativa?

MS: Si bien el grupo lleva mi nombre y las composiciones son mías, cada integrante es imprescindible. Trabajar en cooperativa responde a esto. Y también a la intención de trabajar por fuera de cierta lógica imperante y agobiante, donde se habla de «mercado», «industrias culturales», «productos», «competitividad» Y frente a la cual estamos siempre corriendo el riesgo de caer en la trampa y dejarla entrar en lo que hacemos, en lo más íntimo.

T: ¿Qué podés contar acerca de la antigua embotelladora de soda que es sede de la Assintomática?

MS: Desde hace tiempo soñaba con la posibilidad de generar un espacio para tocar donde el contexto que se cree sea afín a lo que uno está queriendo transmitir con la música. El contexto donde uno dice algo es en gran medida parte del sentido de lo que uno está diciendo. El deseo era también crear un espacio donde el público pueda sentirse parte y no un mero espectador. Desde la propuesta a mis compañeros de crear este espacio hasta que lo encontramos pasaron dos días. fui a conocer el espacio de Joao Mouro, un músico y artista plástico portugués con quien nos conocimos en Angola durante una gira que estaba haciendo con el trío del guitarrista Yamandú Costa.

Ni bien entré al espacio supe que ya lo había encontrado. Se trata de un galpón de 300 metros donde Joao tiene actualmente su taller de trabajo en esculturas de materiales reciclados. El galpón está lleno de maderas, metales y piezas de arte de su autoría y ahí creamos desde cero el espacio para tocar y recibir a nuestro público.

Cientos de niños y niñas festejaron los 12 años de Pakapaka en Tecnópolis

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Hubo estaciones de maquillaje para “lookearse” con motivos relacionados al canal, artistas circenses para aprender y jugar con malabares, magia y acrobacias, talleres de arte y un espacio para pintar junto a personajes icónicos de la señal.

Cielo Salviolo Pakapaka marc un antes y un despus en la televisin infantil de Argentina y Latinoamrica Foto Osvaldo Fanton
Cielo Salviolo: «Pakapaka marcó un antes y un después en la televisión infantil de Argentina y Latinoamérica». / Foto: Osvaldo Fanton

Cientos de niños y niñas festejaron en Tecnópolis la megamuestra de arte, ciencia y tecnología más grande de Latinoamérica, el 12do. aniversario de la señal pública e infantil Pakapaka con actividades recreativas y shows en vivo para todas las edades.

Durante la jornada hubo estaciones de maquillaje para “lookearse” con motivos relacionados al canal, artistas circenses para aprender y jugar con malabares, magia y acrobacias, talleres de arte para compartir deseos y aprender de la naturaleza, y un espacio para pintar junto a personajes icónicos de la señal.

El encuentro se desarrolló en el sector denominado «El Asombroso Escenario del Parque», ubicado en el predio de la localidad bonaerense de Villa Martelli, partido de Vicente López.

Las actividades fueron conducidas por diferentes animadores acompañados por los personajes más representativos de la señal como Zamba, Nina, San Martín y Juana Azurduy.

En el ingreso, los visitantes fueron recibidos por payasos que hacían malabares y acrobacias y además les regalaron una tarjeta de invitación en conmemoración del aniversario de la señal.

En la kermés, tanto los chicos como los adultos, disfrutaron de trivias y rompecabezas.

Zamba y Nina tendr su programa en la Televisin Pblica en donde recorrern todo el pas asegura Salviolo Foto Osvaldo Fanton
«Zamba y Nina tendrá su programa en la Televisión Pública, en donde recorrerán todo el país», asegura Salviolo. / Foto: Osvaldo Fanton

Cielo Salviolo, directora de Pakapaka, afirmó en diálogo con Télam que «los cumpleaños son necesarios para replantear la historia. La señal abarca dos generaciones. Para muchos chicos del país que acompañaron al canal en sus inicios hoy ya son adolescentes y la señal está en la memoria afectiva de ellos».

Además, destacó que Pakapaka marcó un antes y un después en la televisión infantil de Argentina y Latinoamérica.

En este sentido, Salviolo subrayó el rol que tuvo el personaje de Zamba para dar visibilidad a la señal a nivel global.

«Zamba es la síntesis de lo que para nosotros representa la televisión educativa, es el personaje más querido y representativo de la señal”, dijo.

Y añadió: “Zamba nació para contar la historia del Bicentenario y quedó establecido en la pantalla contando historias sobre la ciencia, la historia y las artes».

A su vez, recalcó que el contenido desarrollado por la señal infantil “también es utilizado por diferentes instituciones educativas del país para poder explicar cuestiones históricas y artísticas del país”.

Zamba es la sntesis de lo que para nosotros representa la televisin educativa asegura la directora del canal Foto Osvaldo Fanton
«Zamba es la síntesis de lo que para nosotros representa la televisión educativa», asegura la directora del canal. / Foto: Osvaldo Fanton

«Lo realizado a través del universo de Zamba y Nina nos permitió acercar la historia a los más chicos. Acercar a Belgrano, San Martín, Juana Azurduy y María Remedio del Valle a los más jóvenes es importante para nosotros», observó.

Desde la señal infantil apuestan a la construcción de diversas historias y personajes que permitan abarcar las diferentes experiencias de las infancias.

«Nosotros tenemos en cuenta que la experiencia de los niños y niñas parte de diferentes experiencias y es por eso que apostamos a la diversidad de personajes, historias y contenido», manifestó Salviolo.

En este sentido informó que están trabajando en dos nuevos contenidos relacionados con Zamba: uno con eje en la cuestión ambiental y otro con la historia, debido a los pedidos recibidos por cientos de chicos de todo el país que solicitaban el regreso de personajes históricos.

«Zamba y Nina tendrá su programa en la Televisión Pública, en donde recorrerán todo el país», confirmó la directora de Pakapaka, y agregó que están trabajando en el desarrollo de contenido «3D» de este personaje.

«Nos estamos preparando con todo para seguir renovando la pantalla y generando propuestas culturales», concluyó la directora.

En el canal estn trabajando en el desarrollo de contenido 3D de Zamba Foto Osvaldo Fanton
En el canal están trabajando en el desarrollo de contenido «3D» de Zamba. / Foto: Osvaldo Fanton

En el Asombroso Escenario del Parque, tanto niños como adultos se divirtieron con los animadores, jugando con una gran sábana multicolor.

Susana, madre de Enzo de 7 años y fanático de Zamba, fue una de las participantes y destacó que «es un lindo día para festejar el aniversario de algo que es muy importante en la vida de mi hijo».

Por su parte, Enzo oriundo de la localidad formoseña de Clorinda, quien tenía un muñeco del personaje, señaló que de Zamba le “gustan sus historias y todos los personajes que lo acompañan».

En otra área, niños y niñas eran maquillados por personal del parque, quienes con pinceles, brillos y colores, realizaban diseños en los rostros infantiles.

Esta actividad, no sólo fue para niños, sino también para adultos quienes tentados formaron parte de la fiesta de colores.

Tal fue el caso de Victoria, madre de Ámbar, quien después de ver como maquillaron a su hija, decidió sumarse a la actividad.

«En algunos momentos es necesario dejar salir al niño interior que uno lleva dentro», remarcó y subrayó que su hija aprendió mucho de historia gracias a Zamba y Nina.

Los más chicos disfrutaron con los animadores y los personajes del universo de Zamba, cantando y bailando sus canciones en el escenario principal.

La fiesta concluyó cuando en el microestadio los personajes más representativos de Pakapaka celebraron su cumpleaños 12 soplando una gran vela y con deseos de que la señal continúe su trabajo para ayudar en la formación de los niños y niñas de todo el país.

“El amor después del amor”: bioserie de Fito Páez, entre los títulos nacionales favoritos

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Tudum, evento virtual global de la plataforma de streaming, compartió avances de los futuros contenidos audiovisuales argentinos como «Matrimillas» protagonizada por Juan Minujín y Luisana Lopilato, la segunda parte de «El reino» con el Chino Darín y Peter Lanzani, y la tan ansiada bioserie del rosarino «El amor después del amor». 

Ivn Hochman el actor que interpreta al icno del rock argentino Fito Pez Foto Prensa
Iván Hochman, el actor que interpreta al icóno del rock argentino, Fito Páez / Foto Prensa

Los primeros avances de la cinta “Matrimillas”, dirigida por Sebastián De Caro con Juan Minujín y Luisana Lopilato, y de la segunda temporada de “El reino”, y nuevas imágenes de la bioserie sobre Fito Páez, “El amor después del amor”, pudieron verse en Tudum, un evento virtual global de Netflix que se llevó a cabo en la tarde de este sábado.

Durante poco más de dos horas y a través del canal de YouTube del gigante del streaming, figuras internacionales de la talla de Gal Gadot, Millie Bobby Brown o Jamie Foxx, pero también argentinas como Chino Darín y Peter Lanzani, entre muchas otras, se turnaron para dar acceso a miles de fans a fechas de estreno, trailers y novedades de decenas títulos.

Los personajes de Fito Pez y Fabiana Cantilo en la bioserie El amor despus del amor Foto Prensa
Los personajes de Fito Páez y Fabiana Cantilo en la bioserie «El amor después del amor» / Foto Prensa

En el apartado de cine y series argentinas, si bien no hubo anuncios de nuevas producciones sí se dio un vistazo a tres que ya se conocían. Entre ellas se encuentra el primer avance oficial de “Matrimillas”, cinta en clave de atípica comedia romántica dirigida por De Caro con guion de Gabriel Korenfeld y Rocío Blanco, que podrá verse en diciembre.

Producida por Buffalo Films y Tieless Media, sigue la historia de una pareja joven -Minujín y Lopilato- con hijos que transitan una crisis y sienten que agotaron todas las instancias para poder resolver sus problemas. Como último recurso, deciden utilizar una aplicación que les suma o les resta puntos de acuerdo al mérito que vayan haciendo uno con el otro, lo que al principio parece ayudar pero luego se convierte en una competencia que saca sus vidas de control.

«Matrimillas» llega en diciembre

Pocos minutos más tarde Chino Darín y Peter Lanzani presentaron las primeras imágenes de la segunda temporada de “El reino”, la serie de intriga política y misterio creada por Marcelo Piñeyro y Claudia Piñeiro cuya primera entrega ocasionó un gran revuelo el año pasado.

En el primer adelanto, el elenco encabezado por Diego Peretti, Mercedes Morán, Joaquín Furriel y Nancy Dupláa recitan el preámbulo de la Constitución Nacional a cámara, para luego dar paso a varias escenas cargadas de acción, que podrán verse en 2023.

«El Reino» Temporada 2, llega en 2023

 

Finalmente, fue el joven actor que encarnará al mismísimo Fito Páez, Iván Hochman, quien personificado y hasta con las afectadas gestualidades conocidas en el artista rosarino, introdujo algunas imágenes hasta ahora nunca vistas de la bioserie “El amor después del amor”.

«El amor después del amor»

https://youtube.com/watch?v=vwflnN2b_mE
Ivn Hochman como Fito en El amor despus del amor Foto Prensa
Iván Hochman como Fito, en «El amor después del amor» / Foto Prensa

Títulos Internacionales

Pero Tudum -llamado así por el ya característico sonido al iniciar cualquier producción de Netflix- también acercó información o videos nuevos de muchos otros títulos de diferentes países. Algunos de los más destacados fueron:

– El trailer de “Enola Holmes 2”, que con Millie Bobby Brown en el papel protagónico sigue las aventuras de la hermana del famoso Sherlock Holmes, de cara a su estreno el próximo 4 de noviembre.

«Enola Holmes 2»

– El primer vistazo de “Heart of Stone”, película de acción y espionaje con Gal Gadot.

«Heart of Stone»

https://youtube.com/watch?v=smG5vWeCAP4

-Primer trailer de “Queen Charlotte”, serie precuela de la popular “Bridgerton”.

«Queen Charlotte: A Bridgerton Story»

-Adelanto de la segunda temporada de la serie de fantasía “Sombra y hueso”

«Sombra y Hueso»

“Emily in Paris”, anunció su tercera temporada para el 21 de diciembre.

«Emily en París 3»

-Un detrás de cámaras exclusivo de “Pinocho” del director mexicano Guillermo del Toro, filme con animación stop motion que llegará en diciembre. 

«Pinocho»

https://youtube.com/watch?v=KOrOauTjVE4

-El anuncio de la fecha de estreno de la cuarta temporada de “You”, con una primera parte desembarcando el 10 de febrero de 2023 y la segunda el 10 de marzo.

«You» 4

-Primer vistazo de la cinta de acción “Misión de rescate 2”, con Chris Hemsworth.

«Misión de Rescate 2»

-Avance de la tercera parte de la megapopular serie francesa “Lupin”. 

«Lupin» Parte 3

 

A 50 años del primer disco de Pescado Rabioso: otro puente en la historia de Spinetta

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En los primaverales días de 1972, la aventura musical iniciada varios meses atrás con Black Amaya en la batería y Osvaldo “Bocón” Frascino en el bajo, que ya tenía un importante rodaje en vivo, editó “Desatormentándonos”, su debut discográfico.

Foto Alejandro Belvedere
Foto: Alejandro Belvedere

Si con la seminal Almendra, Luis Alberto Spinetta había logrado conjugar el universo beatle con el tango de Piazzolla y el jazz, entre otros géneros; Pescado Rabioso, su siguiente proyecto formal caracterizado como un power trío de blues y rock, se posicionó por la impronta de su líder como un enlazador de mundos entre los riff crudos y distorsionados, las vigorosas bases rítmicas, el lirismo y la riqueza armónica.

Todo eso se confirmó cuando en los primaverales días de 1972, la aventura musical iniciada varios meses atrás con Black Amaya en la batería y Osvaldo “Bocón” Frascino en el bajo, que ya tenía un importante rodaje en vivo, editó “Desatormentándonos”, su debut discográfico.

Más que elocuente resultaba la apertura del álbum con el “Blues de Cris”, una despedida a la musa inspiradora de “Muchacha ojos de papel”, que también resultó una ruptura con todo lo que aquella canción representaba.

«Blues De Cris» – Pescado Rabioso

Pero esa mezcla de crudeza y sutiliza iba a atravesar todo el disco, el cual se completaba con “El jardinero (temprano amaneció)”, “Dulce 3 nocturno”, “Algo flota en la laguna” y “Serpiente (viaja por la sal)”.

“Yo quería hacer una música aún más violenta que las del segundo disco de Almendra. Pescado, y en especial el primer disco, eran un despegue declarado respecto a Almendra. Si bien Almendra me había permitido llegar a ese lugar, creo que con Pescado intenté romper la ternura y el eje sensible de Almendra”, le había comentado Spinetta al periodista Eduardo Berti en su libro “Crónica e iluminaciones”, de 1988.

La placa iba a ser también un fiel reflejo del derrotero artístico y personal de Spinetta tras la disolución de Almendra, con el consecuente conglomerado de inquietudes que fue sumando en esa etapa.

“Fue el primer eructo después de que uno se toma un Uvasal tras haber comido y bebido a mansalva”, había definido el propio artista a esta experiencia en una charla registrada en 1977 por el periodista Miguel Grinberg para su libro “¿Cómo vino la mano?”.

Es que a la amarga ruptura de Almendra, le siguió un disco experimental, en algunos pasajes dadaísta, que sirvió para Spinetta pudiera cumplir el contrato vigente de la banda con la discográfica; algunos intentos fallidos de formar grupos con colegas como Pappo, Pomo y Edelmiro Molinari; y una etapa de búsqueda personal que derivó en el consumo excesivo de drogas lisérgicas y en un viaje a Europa tras las huellas de los “poetas malditos”.

Foto Candelaria Lagos
Foto: Candelaria Lagos

La redención la iba a encontrar en un nuevo proyecto en donde también iba a canalizar su interés por algunos grupos de rock duro en auge en ese momento, como el caso de Led Zeppelin. Black Amaya y Bocón Frascino serían sus aliados en esta nueva cruzada.

“Cuando Luis me ofreció integrar el proyecto, quería hacer algo más pesado que Almendra, quería romper con todo eso”, rememoró Black Amaya a pedido de Télam.

Como se señaló antes, el camino de Pescado Rabioso hasta llegar a “Desatormentándonos” fue de muchos ensayos en una quinta en Castelar y de decenas de shows en distintos teatros y discotecas. Así surgieron una gran cantidad de temas, muchos de ellos aún inéditos como “Mensaje a las larvas” o “La fiebre paranoica”.

«La fiebre paranoica» – Pescado Rabioso

https://youtube.com/watch?v=_yUW_1hPgdY

“Estaban apareciendo algunas bandas acústicas como Sui Generis y Vivencia, y había otra corriente más rockera, como Pappo y La Pesada. Yo recuerdo que los shows de Pescado gustaban mucho porque mezclábamos la melodía con la potencia de un trío pesado”, arriesgó el baterista.

Así recaló en los estudios Phonalex, con Norberto Orliac como ingeniero, para la grabación del disco, que se hizo en poco tiempo y que, al momento de su publicación, ya iba a contar con varios temas conocidos por los seguidores de escucharlos en los shows.

“Fue una grabación rápida. Fue hecha en dos días, unas diez horas por día, porque ya veníamos ensayados. Fueron pocos temas porque eran temas largos, de seis minutos. Eran introducciones largas, solos largos, que era lo que estaba en auge en ese momento. No había una marca de tiempo de tres minutos. A pesar de que parece que sí, en el disco no se improvisó mucho”, señaló Black Amaya.

Respecto al material con el que contaban, el baterista especificó que muchas canciones surgían a partir de algún riff que tocaban con Frascino a los que luego Spinetta le sumaba la armonía y las letras.

Del repertorio que formó parte del disco, tal vez el tema que mayor sorpresa causó fue “Serpiente (viaja por la sal)” por la inclusión de un órgano hammond, a cargo de Carlos Cutaia, que estuvo como invitado especial, pero que iba a dejar una huella para sumarse al poco tiempo después como miembro estable de la banda.

Luis Alberto Spinetta – Serpiente Viaja por la Sal (En Vivo Estadio Vélez Sarsfield)

https://youtube.com/watch?v=Dq7Mfejg3lY

En tanto que la portada, una creación de Gustavo Spinetta y Jorge Vizñovezky –diseñador de la tapa del logo del único disco de Tanguito-, presentaba una ilustración tan colorida como compleja e insondable.

“La tapa fue idea de Luisito, que me acuerdo que le rezongué porque yo quería una foto nuestra, pero en esa época no se usaban imágenes, salvo en los discos de blues y de rock and roll, que traían foto de los músicos en gris y negro. Pero Luis ya estaba en otro lugar, en donde entraba el arte de tapa y todo lo demás”, reveló Amaya al respecto.

Pero si Pescado tuvo una etapa inicial de muchos ensayos y shows en vivo antes de ingresar a registrar “Desatormentándonos”, la publicación del disco pareció haber cerrado una etapa y abierto otra, igual de vertiginosa, que desembocaría en el final definitivo del grupo.

Foto Candelaria Lagos
Foto: Candelaria Lagos

Apenas dos meses después del lanzamiento de su ópera prima, Pescado regresó a los estudios para registrar su segundo disco, pero la banda ya no era la misma. Bocón Frascino se había bajado del barco porque anhelaba tocar la guitarra, Cutaia ingresó como miembro estable y David Lebón se sumó al bajo, lo que le dio un carácter muy distinto a la formación.

El sonido más duro que Spinetta buscaba en su etapa post-Almendra ahora comenzaba a buscar una mayor complejidad y requería de algunas sutilezas. Hacia 1973, Pescado Rabioso pasó a ser historia –grande, por cierto- aunque su líder utilizó ese nombre para grabar como solista “Artaud”, su disco más representativo.

Puestas de video arte instalación en el Festival Audiovisual Bariloche

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El director del Festival, Diego Carriqueo, destacó la «recuperación de la sección» tras varios años de ausencia por la pandemia y estuvo acompañado por los jurados de las exhibiciones y artistas involucrados.

 Foto Alejandra Bartoliche
/ Foto Alejandra Bartoliche

El Festival Audiovisual Bariloche (FAB), además de una nutrida programación cinematográfica de cortos y largometrajes, dispone también de alternativas de puestas de video arte con instalaciones que se pueden visitar en las salas Frey y Chonek del Museo de la Patagonia ubicadas en el Centro Cívico de la ciudad.

El director del FAB, Diego Carriqueo, quien destacó la «recuperación de la sección» tras varios años de ausencia por la pandemia, estuvo acompañado por los jurados de las exhibiciones y artistas involucrados e introdujo las obras en una recorrida por ambas salas dispuestas para las instalaciones de video arte.

«Lo que caracteriza a este formato es que son obras audiovisuales que habitan el espacio y generan, en el caso de ser interactivas, una interrelación con el espectador, que los convierte en usuarios de la obra», comentó Mercedes Fabiano, parte del jurado y ganadora en esta sección en 2015 y 2019.

La artista agregó que en esta edición «existen obras conceptuales, sensoriales, de contemplación, y no hay límite para lo que el artista quiere contar», aunque «sí debe haber un concepto claro y el uso de lo tecnológico debe tener una justificación dentro de la narrativa».

«Son obras con un sentido circular, es decir, en cuanto al tratamiento temporal están diseñadas para que los visitantes las recorran cuando lo deseen, ya que por lo general se presentan en loop y no responden a las narrativas clásicas de inicio, desarrollo y final», explicó Fabiano.

Las video arte con instalaciones»generan una interrelación con el espectador, que los convierte en usuarios de la obra»

Mercedes Fabiano

En el caso de «Recuerdo que así sonaba», de los barilochenses Luciano Lamtzev, a cargo del diseño sonoro, y Clara Aguillón, que hizo el montaje de video, la obra consiste en imágenes y video de la ciudad donde la idea de «cómo suena un recuerdo» invita a los espectadores a manipular una consola para «oficiar de compositor de lo que se ve» e intervenir en lo que evoca cada imagen, según describieron sus creadores.

«En principio, es un registro cotidiano, un collage que hicimos para un evento de música ambient, proyecto que edito exclusivamente en cassette. Comenzó en la pandemia, para contener sonidos que no tienen mucha llegada en plataformas», comentó Lamtzev.

Otra de las muestras, «Exterior/interior», del artista visual de El Bolsón Mateo López, dispone un mapa proyectado de la Patagonia argentina con banderas de países que indican la cantidad de territorio nacional en propiedad de extranjeros.

El título de la obra «habla de la mirada que se tiene desde Buenos Aires, que ve al resto del país como interior. Y, tomando eso como disparador, a partir de una investigación realizada por ATE, la idea es visibilizar las tierras nacionales en manos de multinacionales», con información de los terratenientes en otro mapa que conforma un ranking de propietarios.

«Es un tema que nos cuesta: recibir esta información sobre nuestro cuerpo, porque se convierte en territorio colonizado. Me sorprendió que hayan elegido este trabajo porque implica un posicionamiento político, sobre todo en un momento en que se está luchando para que abran el Lago Escondido», sostuvo López.

El videoartista añadió: «La instalación, al estar enfrente del monumento a Roca ya de por sí es un triunfo para el trabajo, que excedió lo que tenía en mente. No es algo que me genere placer este trabajo, sino indignación».

Walter Mateo Lpez de ExteriorInterior Foto Alejandra Bartoliche
Walter Mateo López de «Exterior/Interior» / Foto Alejandra Bartoliche

En tanto, el realizador audiovisual y VJ de Rada Tilly, Chubut, Gastón Ramos presentó «Raigambre Patagonia», muestra en la que a través de un controlador se pueden ir repasando imágenes que el artista fue registrando con sonidos que las acompañan.

«Se trata de las raíces que se entrecruzan y dan sentido de pertenencia a un lugar. Pensando en la Patagonia y cuál es nuestro vínculo, empecé a verme a mí mismo y es parte de lo que a uno le sucede con el paisaje, y uno se puede encontrar a través del paisaje», enfatizó.

Ramos contó sobre su proceso creativo que usó imágenes de un viaje, en el que elegía lugares para filmar con un dron para luego experimentar con el recurso de espejos.

Gastn Ramos de Raigambre Patagonia Foto Alejandra Bartoliche
Gastón Ramos de «Raigambre Patagonia» / Foto Alejandra Bartoliche

«La voz del planeta», de la videoartista de El Bolsón María Elena Apa, maneja una temática relativa a los volcanes, los sismos, la ciencia, la tecnología y el arte.

La instalación contiene un teléfono antiguo en el que se reproducen entrevistas a 15 testigos de un tsunami ocurrido en el lago Nahuel Huapi en 1960, que constituyó el primer caso de ese tipo en lagos continentales de Argentina, y elementos de esa época, como un tocadiscos sobre el cual, articulado con tecnología en tiempo real, se pueden colocar rocas y moverlas para reproducir sonidos de registros volcánicos.

Mara Elena Apa de La voz del planeta Foto Alejandra Bartoliche
María Elena Apa de «La voz del planeta» / Foto Alejandra Bartoliche

Por último, con «Paisajes archivados», el realizador audiovisual de Bariloche Agustín Esparza presentó su tesis de graduación de la carrera Artes multimediales: un trabajo de exploración urbana, geografía y «situacionismo».

«Se manejaba el tema de la deriva ‘situacionista’ y caminar por lugares de la periferia urbana. Mi trabajo es el resultado de lugares que fui recorriendo y registrando», indicó.

La muestra abarca un mapa y una lupa de apoyar antiguos, que con un marco infrarrojo que detecta el puntero y la posición, transfiere la imagen a un proyector para que la gente pueda experimentar con la geografía local y amplificar la data de cada locación registrada.

Agustin Esparza de Paisajes Archivados Foto Alejandra Bartoliche
Agustin Esparza de «Paisajes Archivados» / Foto Alejandra Bartoliche

«La idea del mapa es poder recorrerlo analógicamente. Varias son imágenes analógicas y otras con dron. Lo monumental del lugar siempre me pareció muy atractivo», comentó el artista.

Esa muestra tiene una segunda sala para la Isla Huemul, «que es un mundo aparte y por eso tiene una sección especial», con una pantalla interactiva con modos de reproducción que permiten ver la historia del lugar e información de cada edificio y datos geográficos generales, además de una maqueta para una visualización complementaria.

Meloni promete «terminar el sistema de poder de la izquierda»

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De cara a los comicios de este domingo, que definirán la conformación del nuevo Gobierno italiano, la favorita líder del ultraderechista Hermanos de Italia eligió Nápoles para su última presentación para tratar de conquistar los votos del sur de la península.

Foto AFP
Foto: AFP.

La líder del ultraderechista Hermanos de Italia y favorita para las elecciones que este domingo serán el primer paso para la formación de un nuevo Gobierno, Giorgia Meloni, cerró este viernes su campaña con una promesa de «terminar el sistema de poder de la izquierda».

«Si ganamos, su sistema de poder se terminará. La izquierda no tenía hegemonía cultural, sino hegemonía del poder», planteó Meloni al cerrar su campaña desde el barrio Bagnoli, en Nápoles, una zona históricamente de voto de izquierda, pero que se ha convertido en el eje central de la disputa de todas las fuerzas.

«En la izquierda están preocupados con todo su sistema de poder de que pueda acabar la Italia en la que solo prosperaban los que tenían tiene la afiliación del Partido Democrático», criticó la líder ultraderechista en referencia a la principal fuerza de la centroizquierda.

Meloni se presenta a las elecciones que el domingo renovarán 400 diputados y 200 senadores en alianza con las nacionalistas Liga de Matteo Salvini y Fuerza Italia de Silvio Berlusconi, una coalición que podría superar el 40% de los votos, de acuerdo a los sondeos.

Si bien el jueves toda la coalición de centroderecha cerró su campaña en Roma, Meloni decidió hacer un último acto en la zona de Nápoles para poder conquistar el preciado voto del Sur del país, que según analistas podría ser la diferencia para que la derecha consiga la mayoría simple de las bancas en juego.

«Ahora los partidos descubren el factor Sur», planteó esta semana en tapa el diario romano Il Messaggero para ilustrar la moda electoral que hizo que Meloni se convirtiera hoy en la primera representante de ultraderecha que realice un cierre campaña en esa zona del país.

En las regiones del Sur del país (Campania, Sicilia, Basilicata, Apulia, Molise, Calabria y Cerdeña) residen en total casi un tercio de las 46 millones de personas habilitadas para votar en Italia.

En ese marco, Meloni reiteró al cerrar su campaña frente a dirigentes juveniles de Hermanos de Italia que si llega al Gobierno cambiará el denominado «Ingreso de Ciudadanía», un programa de asistencia universal con casi 3 millones de beneficiarios en todo el país y que es una de las políticas más valoradas en el Sur.

La trayectoria de Meloni

Meloni, de larga trayectoria en las fuerzas de ultraderecha del país pero que moderó notablemente su discurso, busca convertirse en la primera mujer premier de Italia si consigue asegurar el domingo el favoritismo que le otorgan todas las encuestas.

La dirigente romana de 45 años aseguró incluso que ya tiene «pronta» una eventual lista de ministros, aunque sus socios de la coalición le reclamaron pensar «todos juntos» el Gabinete.

Por el momento, la líder de Hermanos de Italia se limitó a plantear que «no habrá ministros de Draghi» en su eventual Gabinete, en referencia al Ejecutivo «de unidad nacional» que encabezó el economista Mario Draghi desde febrero de 2021 hasta su renuncia en julio con apoyo de todas las grandes fuerzas del país, menos Hermanos de Italia.

«Me molesta mucho cuando las herramientas se convierten en un tótem ideológico. Las herramientas son herramientas y se evalúa su utilidad», planteó también Meloni desde Nápoles al referirse al denominado Plan de Recuperación y Resiliencia (PNRR) que ideó Draghi para la salida de la pandemia con intervenciones estatales en sectores clave de la economía y dejó abierta la puerta para modificar la iniciativa que tiene el apoyo del resto de las fuerzas políticas.

“Amigas en un camino de campo” y “Walk Up”, sensibilidad y belleza en el festival

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La 70ma. edición empieza a desandar el camino del final, cuando el sábado se anuncien los ganadores, todavía con obras para ver como “Walk Up”, del surcoreano Hong Sangsoo y en Zabaltegi “Amigas en un camino de campo”, del argentino Santiago Loza. 

Amigas en un camino de campo de Santiago Loza en ZabaltegiTabakalera
«Amigas en un camino de campo», de Santiago Loza, en Zabaltegi-Tabakalera

La 70ma. edición del Festival de San Sebastián empieza a desandar el camino del final, cuando el sábado se anuncien los ganadores de este año, pero aún quedan numerosas como y en Zabaltegi-Tabakalera “Amigas en un camino de campo”, del argentino Santiago Loza.

El filme de Loza, que compite en el apartado dedicado al cine más experimental o de riesgo en donde también se presentan las producciones nacionales «Trenque Lauquen» (Laura Citarella) y «Diarios» (Andrés Di Tella), se asoma e instala en la amistad entre Sandra (Eva Bianco) y Tere (Anabella Bacigalupo) que se desarrolla en un lugar de sierras, un paisaje rural retratado con belleza por la fotografía de Eduardo Crespo.

Con una puesta austera, habitual en el realizador cordobés (“Breve historia del planeta verde”, “Los labios”, “La Paz”, “Cuatro mujeres descalzas”, “Extraño”, entre otros títulos), cuenta la relación entre ambas mujeres a través de un día casi completo paseando por las sierras con la excusa de poder ver un meteorito que cayó en las cercanías.

La siempre precisa Eva Bianco le da un carácter reconcentrado a Sandra -que pasa sus días amasando pan que reparte entre los vecinos-, que con su hermetismo enoja a su hija que está de visita –“parece que te da lo mismo que esté acá”- y también a su amiga Tere, quien le advierte que con su actitud se va a quedar “cada vez más sola”.

Trailer «Amigas en un camino de campo»

La historia tiene como trasfondo una ausencia omniprescente para las protagonistas, que en su vínculo se animan a decirse las cosas sin tapujos y sin la prevención de que la relación se fracture.

Con bellas poesías de la bahiense Roberta Iannamico leídas a cámara, la música de Santiago Motorizado que acompaña serena los climas del relato y sobre todo el tiempo para que se complete la curva dramática de esa relación entre mujeres, que Loza vuelve a abordar con precisión y sensibilidad en torno al universo femenino.

Por su parte, el último opus del prolífico maestro Hong Sangsoo, “Walk Up”, compite por la Concha de Oro en la sección oficial con un relato que, como es usual, podría ser tomado como un capítulo más de su obra, que sus detractores describen como una sola y larga película, mientras que los fanáticos, como otra obra maestra sobre los temas que lo obsesionan.

Walk Up de Hong Sangsoo en la competencia oficial
«Walk Up», de Hong Sangsoo, en la competencia oficial.

Ni lo uno ni lo otro. “Walk Up” muestra un momento en la vida Byungsoo (extraordinario Kwon Hae-hyo, una vez más como el alter ego del realizador), un director de cine que atraviesa un impase en su carrera, divorciado y con una hija de poco más de 20 años a la que, a falta de su presencia como padre, le presenta a modo de compensación por sus ausencias a una diseñadora que se supone, orientará a la chica en la profesión en la que se quiere formar.

El edificio en donde vive la diseñadora tiene varios pisos, que le permiten tener un estudio, alquilar una planta para un restaurante exclusivo y obtener rentas de un par de departamentos.

La estructura del lugar determina la historia y la puesta en donde sí, nuevamente, Hong Sangsoo es impiadoso con los hombres, en este caso Byungsoo (el extraordinario Kwon Hae-hyo, una vez más asumiendo al realizador), descripto como miedoso, egocéntrico e incapaz de ocuparse de otra cosa que no sea su carrera.

Trailer «Walk Up»

También está la comida, el cine dentro del cine y el alcohol como liberador de lo más reprimido de sus personajes. Es decir, los temas recurrentes están pero se trata de otra película que, si se quiere, se escinde de la filmografía del director coreano.

A medida que se recorren los pisos del edificio -descripto como hermoso pero con pocas pistas para certificar la calificación- y que se desprende que el protagonista es célebre por su cine -aunque no consiga financiación para un próximo proyecto-, que es deseado por las mujeres pero se relaciona con una fan y termina viviendo con ella en el edificio, y como signo de su ansiedad pierde el interés por la comida – su pareja es cocinera-, el malestar del protagonista bien puede ser interpretado como el del propio cine de Hong.

Al igual que “In Front of Your Face” (exhibida en la última edición del Festival de Mar del Plata), el director de joyas como “Hahaha”; “Right Now, Wrong Then”; “La virgen desnudada por sus pretendientes” y “Woman Is the Future of Man”, construye un relato sobre el encierro, probablemente derivado de la pandemia y en esa senda con una carga dramática que vuelve sobre sí, no sobre su obra sino como objeto fascinante a tener en cuenta, sobre su fragilidad, sobre un cambio de época que no respeta su legado y un agotamiento creativo.

Entonces “Walk Up” es una película, buena pero menor en su obra, que puede ser tomada como un punto de inflexión de su trabajo o apenas un filme que refleja un momento determinado de su cine.

El power trío Eruca Sativa lanzó un disco grabado en vivo en el CCK

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El grupo conformado por Lula Bertoldi, Brenda Martin y Gabriel Pedernera divulgó en las plataformas digitales «Seremos primavera en vivo en la Ballena Azul», un trabajo que aborda el material de su última producción de estudio.

El poderoso sonido del tro Eruca Sativa ya est en las plataformas digitales mientras la banda planea una gira para celebrar sus 15 aos
El poderoso sonido del trío Eruca Sativa ya está en las plataformas digitales mientras la banda planea una gira para celebrar sus 15 años

El power trío Eruca Sativa lanzó en plataformas digitales su disco «Seremos primavera en vivo en la Ballena Azul», registrado en mayo pasado en la sala sinfónica del Centro Cultural Kirchner (CCK) en la que el grupo abordó, con arreglos de cuerdas y vientos, el material de su última producción de estudio.

En la ocasión, el grupo conformado por Lula Bertoldi, Brenda Martin y Gabriel Pedernera interpretó la totalidad del disco «Seremos primavera» en orden y sumó dos temas extras: «Día mil», recientemente nominada a los Grammy latinos como mejor canción de rock; y «Nada salvaje», del disco «Barro y fauna».

Allí, la banda estuvo acompañada por Irene Cadario, Manuel Quiroga en violín, Mariano Malamud en viola, Paula Pomeraniec en cello, Cecilia Dottore en saxo alto, Andrés Germán Ollari en trompeta, Felicitas Rocha en trombón y Silvia Aramayo en piano y coros.

ERUCA SATIVA EN VIVO

El lanzamiento es acompañado con la publicación del registro audiovisual del concierto en la página oficial del MICA (Mercado de Industrias Culturales Argentinas), impulsora junto con el Ministerio de Cultura de la Nación del programa «Música Argentina para el Mundo», que sirvió de marco para la realización del espectáculo.

Gira de celebración

En tanto, Eruca Sativa planea una gira celebración por sus 15 años de historia, que tendrá su punto de partida el 2 de diciembre en el Estadio Obras, continuará el 7 por Tribus Club de Arte de Santa Fe y el 8 recalará en el Teatro Broadway de Rosario.

En tanto, el 9 y 10 de diciembre será el turno de Córdoba, con shows en el capitalino Teatro Real y en el Teatro Luxor de Villa Carlos Paz, respectivamente.

Marina Wil lanza «En tu habitación», con la participación de Fito Páez

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La cantante y compositora quien lleva un camino sólido en el ámbito del rock argentino, lanzó una canción que cuenta con la participación especial de Fito Páez en voces y piano y que formará parte de su segundo álbum de estudio “A pesar del amor”.

Marina Wil comparti con Fito Pez un tema
Marina Wil compartió con Fito Páez un tema.

La cantante y compositora Marina Wil, quien lleva un camino sólido en el ámbito del rock argentino, lanzó “En tu habitación”, una canción que cuenta con la participación especial de Fito Páez en voces y piano y que formará parte de su segundo álbum de estudio “A pesar del amor”, que presentará el 13 de octubre en La Tangente.

La flamante canción está disponible en todas las plataformas digitales y en el canal de youtube de la compositora.

En la intimidad del estudio Wil y el artista rosarino grabaron esta canción que, a través de matices y juegos armónicos, habla sobre el puente que el amor construye entre dos seres.

Marina Wil «En tu habitación»

https://youtube.com/watch?v=eUZ-YuBcGzY

 

“Fue un momento muy especial, a pura emoción. Cantar junto a un ídolo personal y a una de las más grandes figuras de la música argentina, fue como estar viviendo mi mayor sueño. Pero era real. Y al poco tiempo, sentí como si hubiéramos cantado este tema desde siempre.” cuenta Marina sobre su experiencia en la grabación junto al músico rosarino.

Anteriormente, la cantante lanzó «Llegando al aire», un bolero cantado con Noel Shajris del dúo Sin bandera, que también formará parte de su próximo disco.

Wil se formó en el Conservatorio Nacional, en la Escuela de Música Contemporánea que forma parte de la red de escuelas de Berklee, y en Alemania.

Junto a Jorge Serrano grabó una versión de “Un osito de peluche de Taiwán”, que cuenta con casi 2.000.000 de reproducciones en Spotify y cerca de 200.000 vistas en Youtube.

Fito Páez celebró y emocionó con los 30 años del «Amor Después del Amor»

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El cantante rosarino tocó en Buenos Aires como punto de partida a su gira homenaje “El amor después del amor 30 años Tour”, que seguirá en Estados Unidos, Venezuela, España, Uruguay y Chile.

Fito Pez en todo su esplendor Foto Alfredo Luna
Fito Páez en todo su esplendor (Foto: Alfredo Luna).

Fito Páez deslumbró a su público en el punto de partida de su gira homenaje al 30° aniversario del disco más vendido y emblemático de su carrera «El amor después del amor».

El cantante se presentó este martes en el Movistar Arena de Buenos Aires e hizo emocionar a sus fans. La gira continuará por Estados Unidos, Venezuela, España, Uruguay y Chile.

Foto Alfredo Luna
(Foto: Alfredo Luna).

Páez, durante el recital, invitó al escenario a cantar a Fabiana Cantilo, con quién entonó “Dos días en la vida”.

Foto Alfredo Luna
(Foto: Alfredo Luna).
Foto Alfredo Luna
(Foto: Alfredo Luna).

El argentino Mariano Biasin compite con «Sublime» en Horizontes Latinos

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Un día antes de la Avant Premiere en una de las salas del Kursaal, el director porteño se mostró «muy afortunado y muy agradecido con la gente que me acompañó en esta aventura» y detalló en diálogo con Télam que «este recorrido de la película es un estímulo para lo que venga de ahora en más».

Mariano Biasin Foto Prensa
Mariano Biasin / Foto: Prensa.

El deseo, la confusión y el futuro como un gran enigma para un grupo de adolescentes en una pequeña ciudad de la costa son los temas de «Sublime», de Mariano Biasin, que compite en la sección Horizontes Latinos de San Sebastián.

Sentado en el lobby del hotel en donde se hospeda en el elegante barrio Amara de la ciudad vasca, el director porteño habló con Télam un día antes de la Avant Premiere de su película en una de las salas del Kursaal, la sede central del festival.

«Apareció la idea de un joven que se despierta de un sueño un poco confuso y que ese sueño le altera su vida», cuenta Biasin sobre la idea seminal del proyecto.

«Sublime» está centrada principalmente en Manuel (Martín Miller), un chico de 16 años, está saliendo con Azul (Azul Mazzeo) y toca el bajo en una banda junto a su mejor amigo, Felipe (Teo Inama Chiabrando), de quien inesperadamente empieza a sentirse atraído.

El director recuerda que se nutrió de numerosas películas que vio durante la pandemia que abordaban la adolescencia. «Me sirvieron de referencia en cuanto a cómo viven los adolescentes el vértigo en estas etapas y esa sensación de verdad que transitan en ese momento», explicó.

– ¿Por qué elegiste contar la historia de adolescentes en su tránsito a la adultez en tu primera película?
– Antes de hacerla dirigí un cortometraje en el 2015 para la película colectiva «Historias breves» y de alguna manera fue la confirmación de que podía hacer mi propia película, después de muchos años de ser asistente de dirección. Después hice otro corto, que tenía bastante humor y aventuras, que ganó en la categoría Generation en el Festival de Berlín y en ese momento mi productor Juan Pablo Miller me propuso estirar la historia para que fuera un largo. Le empecé a darle vueltas al asunto pero yo no quería hacer la misma historia del corto, quería algo que tuviera menos comedia, un poco más de drama y ahí apareció la idea de un joven que se despierta de un sueño un poco confuso y que ese sueño le altera su vida.

«Sublime» OST / BSO – Trailer

– La película refleja esa época de la primera juventud en donde todo es a todo o nada.
– En gran parte fue entender muchas películas. En la pandemia tuve como un año y medio para trabajar más profundamente el guion y en ese tiempo vi un montón de películas que me sirvieron de referencia en cuanto a cómo viven los adolescentes el vértigo en estas etapas y esa sensación de verdad que transitan en ese momento. Y tuvimos un entrenamiento de tres meses bastante intenso, con mucha aporte de la directora de casting María Laura Berch, que ayudó mucho a construir todos estos momentos pequeños pero intensos.

– En la historia que contás la música tiene una presencia fuerte. ¿Cómo llegaste a que no solo fuera la banda de sonido de «Sublime» sino que se constituyera como un elemento dramático?
– Para empezar a mí me gusta mucho la música, grabé algunos discos con las bandas que integré, entonces entiendo que puede ser un hecho interesante lo de una banda de amigos compartiendo en una sala de ensayo, con muy bajos recursos pero con muchas expectativas y además, de la canalización del mundo interno a través de las canciones, sobre todo del protagonista en donde cuenta lo que le pasa a través de las canciones. Muchas veces en las películas aparecen actores haciendo de músicos y se nota un poco el artificio, así que para nosotros fue un objetivo fuerte que esa banda sea lo más realista posible desde el sonido que lo diseñamos con Gaspar Sheuer y Emilio Cervini, que tenía que representar a esta banda de estos chicos de la costa que viven en un pueblo y que quisieran vivir en la ciudad.

– La películas de adolescentes que van o viven en la costa es casi un género del cine argentino de los últimos años. ¿Por qué elegiste un pueblo como lugar en donde transcurre la historia?
– Nunca me imaginé una historia así en la ciudad, me gustaba más que los personajes estuvieran un poco corridos de un centro tan urbanizado, pero también aclaro que no son solo los chicos, también quise mostrar cómo observa este grupo y esta familia el conflicto de Manuel, porque no es una película para adultos en donde los adolescentes se quedan afuera, ni tampoco es al revés, quise integrar las dos cosas. Pero volviendo a la historia principal de la película, la primera decisión sobre el protagonista fue sacarlo de la ciudad y después pensarlo en un pueblo, me parecía que como el conflicto del personaje tiene cierto hermetismo, lo mejor era colocarlo frente al mar, como una manera de que tenga posibilidad de proyectar en esa inmensidad.

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«Sublime» está centrada principalmente en Manuel (Martín Miller), un chico de 16 años / Foto: Prensa.

– En el relato también hay una segunda línea que tiene que ver con los conflictos familiares. ¿Qué rol juegan sus padres en la confusión del protagonista?
– El mundo de los padres es su entorno más inmediato, es el modelo de familia más clásico y tenía que estar. No sé, me parece que es algo que le suma a la historia pero tenía que elegir bien qué mostrar, porque tengo la sensación que un personaje como Manuel no estaría tan atento a las coyunturas de lo que pasa en su familia. Yo quería que los que se asomara tuviera alguna sensación, más que nada era mostrar que algo no estaba en orden en su familia, sin saber bien de qué se trata.

– ¿Qué significa para vos y la película haber participado primero en Berlín y ahora en la competencia de Horizontes Latinos en San Sebastián?
– Todavía no lo puedo creer, lo trato de disfrutar lo más posible, es un orgullo y lo primero que me aparece el agradecimiento a todas las personas que colaboraron con la película, me sale mucho en esa conciencia del trabajo en equipo, me siento muy afortunado y muy agradecido con la gente que me acompañó en esta aventura. Y claro, este recorrido de la película es un estímulo para lo que venga de ahora en más.

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La historia de los refranes: «El que no llora no mama»

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… y el que no afana es un gil, completamos por obra y gracia de Enrique Santos Discepólo y su Cambalache, escrito en 1935. La letra es un grito de alerta, hay que llorar y llorar para pedir lo que sea, a lo bebé. Que finalmente son los inspiradores de este refrán.

Telam SE

El que no llora no mama

¿Cuántos modos tiene un bebé de expresar que quiere la teta o la mamadera? Uno solo: llorando… ¿Qué significa este refrán? Que si no preguntás, no te contestan, y si no pedís no te dan nada… ¡Y sí!

Los bebés se comunican llorando, y es más, a través de los distintos tonos del llanto, los padres (más las madres) pueden distinguir si lo que tienen es hambre, sueño o algún dolorcito… Después, una vez crecidos, los exbebés gritan: “Che ma, tengo hambre”…

Y ya de grandes, pedir es todo un tema… O nos convertimos en pedigüeños seriales, esa gente que no puede vivir sin pedir siempre algo, lo que sea; o tenemos dificultades para pedir, nos cuesta hacerlo, por vergüenza, timidez, orgullo…

¡Y están los que no piden porque tienen tanto pero tanto que sencillamente no tienen nada que pedir!… El Centro Virtual Cervantes autoriza a quienes pretendan lograr algo, solicitarlo varias veces, hasta despertando la compasión si hiciera falta…

Al final sabremos que este refrán, sintetizado en un llanto de bebé con hambre, se origina en la Biblia. La carta del apóstol Santiago, capítulo 4, versículos 2 y 3 lo enunciaba así: “No obtenéis, porque no pedís. Pedís y no recibís, porque pedís mal”

Algunos opinan: No pasan más cosas porque no las pedimos, y no las pedimos porque no nos creemos que puedan pasar… Otros anuncian: Este es el tiempo de los imposibles, voy a empezar a pedir imposibles… Bueno, empezá nomás…

“Siempre hay que darle una oportunidad al milagro”, recomendaba Jorge Guinzburg. Pedir, pedir, pedir… y a esperar que llueva café… Si el siglo veinte era un cambalache problemático y febril, ¿que podríamos empezar a decir del veintiuno, del que ya conocimos su quinta parte… ¿será la mejor?…

Wagner-Taján celebran 20 años siendo «Dos» en una gira por el país

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El dúo que reúne a la pianista Vilma Wagner y al guitarrista “Tato” Taján festeja sus dos décadas de actividad en la música popular con una serie de recitales que mañana llegará al porteño Café Berlín para presentar su tercer disco.

Nos motiva el trabajo minucioso sobre las canciones que nos gustan que nos llegan aseguran Wagner y Tajn
«Nos motiva el trabajo minucioso sobre las canciones que nos gustan, que nos llegan», aseguran Wagner y Taján.

El dúo que reúne a la pianista Vilma Wagner y al guitarrista “Tato” Taján festeja sus dos décadas de actividad en la música popular con una serie de recitales que mañana llegará al porteño Café Berlín para presentar su tercer disco, “Dos”.

“La gira es un modo de volver a comenzar después de la pandemia, dado que previo a esa situación estábamos presentando nuestro último disco ‘Dos’ y teníamos prevista una agenda de presentaciones, así que es un momento para reactivar aquello que quedó pendiente y sanar lo que haya sucedido en ese momento de quietud forzosa de la que venimos”, cuenta la dupla en comunicación con Télam.

Foto prensa
Foto: prensa

La recorrida a partir de “Dos” (2019) comenzó el viernes 9 en La Plata y este martes llegará a las 20.30 a Café Berlín (Av. San Martín 6656) sumando a la cantante Lorena Astudillo, al percusionista Pablo Vignati y al trompetista Sergio Wagner.

De paso por Córdoba, estará el 30 en el espacio cultural La Cúpula de la capital provincial, el 1 en Posada La Matilde de San Javier y el 2 en Nueva Luna de Icho Cruz; mientras que el tour se cerrará con tres funciones bonaerenses: el 21 en el Club Español de Tres Arroyos, el 22 en la Biblioteca 1ro de Mayo de Olavarría y el 23 en el Patio de Alondras de Tandil.

«Quizás podría decirse que hemos logrado construir una identidad sonora propia, un modo de abordar cada canción que nos caracteriza, tejiendo una trama a través de cuatro instrumentos, como son las dos voces, el piano y la guitarra.

Vilva Wagner y Tato Taján

La dupla la sostienen la azuleña Vilma y el cipoleño “Tato” desde 2000 cuando se conocieron cursando en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Nacional de La Plata (ciudad donde residen sus integrantes y antes de “Dos” publicó “Alma Redonda” (2006) y “Piedra Lunar” (2010).

Télam: ¿Qué significa “Dos” en la trayectoria del dúo?

Wagner-Taján: El disco “Dos” significó un gran desafío personal y profesional para ambos, porque tuvo el objetivo de ser grabado en vivo, solos los dos, cantando y tocando frente a frente en un estudio muy hermoso preparado para registrar no sólo el audio sino también lo visual. Por esto, el material resultante es tanto un disco de audio como también un conjunto de videos que testimonian esa grabación, con la intención de que quede reflejada la comunicación y la intimidad que nos caracteriza, en un producto lo más “real” posible, dado que no hubo demasiado margen para editar o arreglar cualquier detalle que pudiera haber existido. En cuanto al repertorio, retomamos algunos de los clásicos que veníamos tocando junto a obras inéditas, propias y ajenas.

T: ¿Cuánto cambió la escena de la música popular en estas dos décadas y qué creen que aportaron a ella?

W-T: La escena musical ha ido cambiando. En particular, respecto del folclore, es evidente que ha habido momentos de mayor auge del repertorio y más circulación e interés en general, tanto en los medios de difusión como en los ámbitos de producción y programación de eventos. Hoy es más difícil pensar a las músicas de raíz folclórica entre los repertorios “de moda”, pero ello no implica que no sigan vigentes y en movimiento.

Respecto de nuestro aporte, quizás podría decirse que hemos logrado construir una identidad sonora propia, un modo de abordar cada canción que nos caracteriza, tejiendo una trama a través de cuatro instrumentos, como son las dos voces, el piano y la guitarra.

T: ¿Qué encuentran en este trabajo entre ambos para seguir trabajando mancomunada y creativamente?

W-T: Nos motiva el trabajo minucioso sobre las canciones que nos gustan, que nos llegan, y encontrar entre los dos una manera de sonar, de resonar y de decir. Trabajamos mucho en esa búsqueda de una sonoridad que nos siga identificando que es algo que se renueva permanentemente en este proyecto, al igual que la conexión con el público.

La Filarmónica de Río Negro en clave romántica en la Catedral de Bariloche

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En el marco de la temporada 2022 de la formación creada en 2014 por Martín Fraile Milstein, su director Artístico y Musical, la agrupación contó con la batuta del violinista y docente Gustavo Guersman

La presentacin fue en la esplndida Iglesia Catedral Nuestra Seora del Nahuel Huapi de Bariloche Foto Eugenia Neme
La presentación fue en la espléndida Iglesia Catedral Nuestra Señora del Nahuel Huapi de Bariloche. / Foto: Eugenia Neme

La Orquesta Filarmónica de Río Negro (OFRN) completó ayer en la Catedral de Bariloche las dos funciones previstas para abordar un repertorio romántico con Gustavo Guersman como director invitado.

En el marco de la temporada 2022 de la formación creada en 2014 por Martín Fraile Milstein, su director Artístico y Musical, la agrupación contó con la batuta del violinista y docente Guersman.

La orquesta abord la Sinfona Nro 7 del compositor checo Antonn Dvo345k Foto Eugenia Neme
La orquesta abordó la “Sinfonía Nro. 7” del compositor checo Antonín Dvořák. / Foto: Eugenia Neme

En su presentación en la espléndida Iglesia Catedral Nuestra Señora del Nahuel Huapi de Bariloche, la orquesta abordó la “Sinfonía Nro. 7” del compositor checo Antonín Dvořák, compuesta en el año 1885; el “Concertino para Trombón”, de Ferdinand Davis interpretado por Gastón Basegio como trombón solista; y “Bolero”, de Aleksandr Dargomyzhski.

Cont con la batuta de Gustavo Guersman como director invitado Foto Eugenia Neme
Contó con la batuta de Gustavo Guersman como director invitado. / Foto: Eugenia Neme

Ese mismo repertorio fue abordado el viernes en el Gimnasio Municipal Américo Torres de la localidad de El Bolsón en una serie de funciones posibles gracias al trabajo conjunto entre la Secretaría de Cultura provincial y los municipios de El Bolsón y de San Carlos de Bariloche.

La formacin fue creada en 2014 por Martn Fraile Milstein Foto Eugenia Neme
La formación fue creada en 2014 por Martín Fraile Milstein. / Foto: Eugenia Neme

Por su parte la OFRN y sus 11 ensambles regionales que dan estructura al Festival Internacional de Música Bariloche que cumplió su tercera edición en mayo pasado, son organismos de la Subsecretaría de la Orquesta Filarmónica de la Secretaría de Cultura de Río Negro.

La Filarmónica de Río Negro en clave romántica en la Catedral de Bariloche

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En el marco de la temporada 2022 de la formación creada en 2014 por Martín Fraile Milstein, su director Artístico y Musical, la agrupación contó con la batuta del violinista y docente Gustavo Guersman

La presentacin fue en la esplndida Iglesia Catedral Nuestra Seora del Nahuel Huapi de Bariloche Foto Eugenia Neme
La presentación fue en la espléndida Iglesia Catedral Nuestra Señora del Nahuel Huapi de Bariloche. / Foto: Eugenia Neme

La Orquesta Filarmónica de Río Negro (OFRN) completó ayer en la Catedral de Bariloche las dos funciones previstas para abordar un repertorio romántico con Gustavo Guersman como director invitado.

En el marco de la temporada 2022 de la formación creada en 2014 por Martín Fraile Milstein, su director Artístico y Musical, la agrupación contó con la batuta del violinista y docente Guersman.

La orquesta abord la Sinfona Nro 7 del compositor checo Antonn Dvo345k Foto Eugenia Neme
La orquesta abordó la “Sinfonía Nro. 7” del compositor checo Antonín Dvořák. / Foto: Eugenia Neme

En su presentación en la espléndida Iglesia Catedral Nuestra Señora del Nahuel Huapi de Bariloche, la orquesta abordó la “Sinfonía Nro. 7” del compositor checo Antonín Dvořák, compuesta en el año 1885; el “Concertino para Trombón”, de Ferdinand Davis interpretado por Gastón Basegio como trombón solista; y “Bolero”, de Aleksandr Dargomyzhski.

Cont con la batuta de Gustavo Guersman como director invitado Foto Eugenia Neme
Contó con la batuta de Gustavo Guersman como director invitado. / Foto: Eugenia Neme

Ese mismo repertorio fue abordado el viernes en el Gimnasio Municipal Américo Torres de la localidad de El Bolsón en una serie de funciones posibles gracias al trabajo conjunto entre la Secretaría de Cultura provincial y los municipios de El Bolsón y de San Carlos de Bariloche.

La formacin fue creada en 2014 por Martn Fraile Milstein Foto Eugenia Neme
La formación fue creada en 2014 por Martín Fraile Milstein. / Foto: Eugenia Neme

Por su parte la OFRN y sus 11 ensambles regionales que dan estructura al Festival Internacional de Música Bariloche que cumplió su tercera edición en mayo pasado, son organismos de la Subsecretaría de la Orquesta Filarmónica de la Secretaría de Cultura de Río Negro.

Una pareja de Pergamino y otra de Cipolletti se impusieron en el Mundial de Tango

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La competencia se desarrolló en el Obelisco y participaron 120 parejas, argentinas y de otros países, que fueron evaluadas por un jurado de notables del género. Contó con la presencia de más de 20 mil personas.

Una pareja de Pergamino y otra de Cipolletti se impusieron en el Mundial de Tango en el Obelisco Foto Twitter CABA
Una pareja de Pergamino y otra de Cipolletti se impusieron en el Mundial de Tango en el Obelisco. Foto: Twitter CABA

Una pareja de bailarines oriunda de Pergamino, provincia de Buenos Aires, y otra de Cipolletti, Río Negro, se impusieron en la final de Tango BA Mundial, que se realizó ayer en el Obelisco ante más de 20 mil personas.

Los bonaerenses Constanza Vieyto y Ricardo Astrada se adjudicaron la competencia de Tango Escenario, mientras que los rionegrinos Cynthia Palacios y Sebastián Bolívar hicieron lo propio en la categoría Tango de Pista, en un certamen en el que participaron unos 120 competidores y en donde la decisión recayó en manos de un jurado de notables del género.

De las finales participaron unas 40 parejas en pista y otras 20 en escenario Foto Twitter CABA
De las finales participaron unas 40 parejas en pista y otras 20 en escenario. Foto: Twitter CABA

Por su parte, los elegidos por el público a través del voto de Participación Ciudadana fueron los porteños Leandro Capparelli y Andrea Kuna en la categoría Tango Escenario y los cordobeses Dana Zampieri y Carlos Estigarribia en Tango de Pista.

De las finales participaron unas 40 parejas en pista y otras 20 en escenario.

Además de la presencia argentina con bailarines de todas las provincias, también hubo participantes de cerca de 30 países de todo el mundo.

Hubo participantes de cerca de 30 pases de todo el mundo Foto Twitter CABA
Hubo participantes de cerca de 30 países de todo el mundo. Foto: Twitter CABA
Ms de 20 mil personas en el pblico Foto Twitter CABA
Más de 20 mil personas en el público. Foto: Twitter CABA

Arrancó la 70ma edición del Festival de San Sebastián con una impactante alfombra roja

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La gala de inauguración desplegó su alfombre roja de rigor en la entrada del Kursaal con numerosas estrellas y figuras relevantes del cine mundial como Penélope Cruz, Juliette Binoche y David Cronenberg, François Ozon, Olivia Wilde, Hanna Schygulla y los argentinos Ricardo Darín y Lali Espósito.

Foto Prensa
Foto: Prensa.

Con la proyección de «Modelo 77», del español Alberto Rodríguez, comenzó el Festival de San Sebastián, que festeja su 70 aniversario con la presencia de numerosas estrellas que darán brillo al desarrollo del certamen que se extenderá hasta el sábado 24 de septiembre en esta ciudad del norte de España.

La gala de inauguración del festival desplegó su alfombre roja de rigor en la entrada del Kursaal, la sede central del evento, con numerosas estrellas y figuras relevantes del cine mundial como Penélope Cruz, Juliette Binoche y David Cronenberg -ambos premios Donostia de este año-, François Ozon, Olivia Wilde, Hanna Schygulla y los argentinos Ricardo Darín y Lali Espósito.

Ya en la sala, la ceremonia comenzó con un repaso de algunos de los momentos relevantes del festival vasco en sus 70 años, con imágenes de las visitas de Carmen Sevilla, Bette Davis, Al Pacino, Michael Douglas, Chris Hemsworth, Paco Raval, Jessica Chastain, Harrison Ford y Pedro Almodóvar, entre otras estrellas.

Luego, la actriz española Belén Cuesta anunció el Premio Fipresci para “Drive My Car”, del japonés Ryûsuke Hamaguchi como la mejor película de 2021 votada por 646 críticos del mundo.

El evento siguió con la presentación del Jurado de la Competencia Oficial, presidido por el productor argentino Matías Mosteirín -en reemplazo de Glenn Close que hace tres días que canceló el compromiso por una emergencia familiar-.

“En este momento de la historia en donde la sociedad está secuestrada por posiciones rígidas y vacías que nos dividen y nos impiden escucharnos, rescatemos la capacidad del cine de ser un espacio que confronta tanta intransigencia y desencuentro”, dijo Mosteirín.

La ceremonia llegó a su fin con el intento de los conductores, la actriz Loreto Mauleón y por el actor y director Paco León para que los asistentes a la gala cantaran el “cumpleaños feliz” al festival, un objetivo que se cumplió de manera parcial.

Modelo 77

Finalmente fue el turno de la proyección de «Modelo 77», del director sevillano Alberto Rodríguez (“La isla mínima”, “El hombre de las mil caras”), un drama carcelario que rescata la épica de un grupo de reclusos de la prisión Modelo en la ciudad de Barcelona, que en 1977 se unieron para reclamar por sus derechos en una España que comenzaba a transitar la democracia, pero que seguía arrastrando las rémoras de la dictadura franquista.

El relato tiene como centro a Manuel (Miguel Herrán), un joven empleado que termina preso por un pequeño desfalco, en una cárcel en donde aún están recluidos los políticos encerrados por la dictadura y presos comunes, la mayoría pobres, en muchos casos analfabetos.

Modelo 77 del director sevillano Alberto Rodrguez Foto prensa
Modelo 77″, del director sevillano Alberto Rodríguez. //Foto prensa

Sometido a toda clase de torturas y privado de los más elementales derechos por el servicio penitenciario, Manuel junto con otro puñado de presos -en donde se destaca el trabajo de Javier Gutiérrez- comienza a reclamar justicia en sintonía con lo que pasaba en la joven democracia recuperada, una lucha que incluyó la creación de una coordinadora de presos de varios establecimientos penitenciarios de toda España, que concluyó con un escape masivo de la famosa cárcel Modelo en 1977.

En la conferencia posterior a la proyección para la prensa, el director de “Modelo 77” afirmó que se trataba de “una historia humana increíble, al perseguir un imposible en un momento en el que España podía ser cualquier cosa, estábamos en pleno paso de la dictadura a la democracia”.

Los cierto es que la película es parte del buen cine industrial, que como señaló en la conferencia el propio director, “para nosotros lo ideal era que se tratara de una película entretenida, que el público lo pasara muy bien y que se fuera a casa con muchas preguntas”, afirmó.

Presencia del cine argentino

En su 70 aniversario el Festival de San Sebastián tendrá una importante presencia de cine argentino, desde ·El suplente», de Diego Lerman y “Pornomelancolía” de Manuel Abramovich, que competirán en la sección Oficial por la Concha de Oro, hasta «Sublime», opera prima de Mariano Biasin, que competirá en Horizontes Latinos, la sección que se nutre de películas producidas en América Latina.

En Zabaltegi-Tabakalera, el apartado dedicado al cine más experimental o de riesgo, se presentarán las producciones nacionales “Amigas en un camino de campo”, de Santiago Loza; “Trenque Lauquen” de Laura Citarella .que viene de Venecia-; y “Diarios”, de Andrés Di Tella.

Dos momentos destacados de esta edición serán las proyecciones “Argentina, 1985”,de Santiago Mitre con Ricardo Darín y Peter Lanzani, el filme sobre el Juicio a las Juntas militares, que también estuvo en el Festival de Venencia y «Un año, una noche”, que aborda los atentados terroristas del 13 de noviembre de 2015 en París, con dirección del español Isaki Lacuesta protagonizado por el argentino Nahuel Pérez Biscayart.

Ambos títulos están incluidos en Perlak, en donde participan películas relevantes según la crítica o que hayan sido presentados originalmente en otros festivales.

La participación argentina en San Sebastián se completa con “Virgilio”, de Alfred Oliveri, que luego de “Un asunto de familia” (2018) y “La leyenda de Don Julio: Corazón & Hueso” (2019), regresa a la sección enfocada en producciones relacionadas con la gastronomía con un documental sobre Virgilio Martínez, considerado uno de los mejores cocineros del mundo y dueño de un restaurante de Lima, Perú.

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Comedia romántica, el género clásico que se resiste a morir

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Con Julia Roberts y George Clooney al frente, este género quiere un regreso con gloria gracias a «Pasaje al paraíso», película que acaba de estrenarse en las salas. Una buena ocasión para recordar los éxitos y clásicos que ofrecen las plataformas.

Julia Roberts y George Clooney en Pasaje al paraso
Julia Roberts y George Clooney en «Pasaje al paraíso»

Muchas veces se ha extendido el certificado de defunción de la comedia romántica por anacrónica, superficial o reiterativa y otras tantas ha logrado sobrevivir primero y resurgir después. Es cierto que gracias a las producciones originales de los servicios de streaming el género mantuvo cierta vigencia en los últimos años, pero hace mucho tiempo que no se produce un éxito masivo en salas de cine.

El nuevo intento por terminar con esa sequía es “Pasaje al Paraíso”, película que tiene en su pareja protagónica el principal argumento comercial: nada menos que Julia Roberts y un George Clooney en plan Cary Grant.



Mujer bonita 1990 con Julia y Richard Gere
«Mujer bonita» (1990), con Julia y Richard Gere.

A sus 54 años, Roberts regresa al género en el que brilló durante la década de 1990 con éxitos como “Mujer bonita”, junto a Richard Gere; o “Un lugar llamado Notting Hill”, junto a Hugh Grant. Y, si bien el cetro en aquella época estuvo disputado también por Meg Ryan (“Cuando Harry conoció a Sally”, “Sintonía de amor”, “Tienes un e-mail”) o Andie MacDowell (“Hechizo del tiempo”, “Cuatro bodas y un funeral”), Julia quedó al final como reina induscutida.



“Pasaje al Paraíso” recupera varios recursos y elementos de brillantes clásicos del género como “Pecadora equivocada” (“The Philadelphia Story ”), película de George Cukor con Cary Grant, Katharine Hepburn, James Stewart; o “Ayuno de amor” (“His Girl Friday”), de Howard Hawks, también con Cary Grant.

«Pasaje al paraíso»

 

En esencia, el flamante film del londinense Oli Parker  (guionista de las dos entregas de “El exótico Hotel Marigold” y director de la secuela de “Mamma Mia!”) tiene un poquito de guerra de los sexos y una vuelta a la comedia de re-matrimonio (los personajes de Clooney y Roberts se han divorciado hace 20 años).



¿Podrán estas dos estrellas que no atraviesan por los mejores momentos de sus carreras y que ya han trabajado juntos en películas como “La gran estafa”, “La nueva gran estafa” y “El maestro del dinero” convertir a “Pasaje al Paraíso” en un suceso comercial que permita no solo relanzar sus carreras sino también impulsar a este género que ha perdido la popularidad de la que gozó hasta hace un par de décadas? Las cifras de taquilla darán el veredicto en los próximos días.



Romances en las plataformas

Palm Springs en la plataforma Star
«Palm Springs» en la plataforma Star+.

Si se hace un recorrido retrospectivo se podrán rescatar en los últimos años algunos buenos exponentes como el film de Netflix “Quizás para siempre”; “Ni en sueños”, con Charlize Theron y Seth Rogen (también disponible en Netflix); “Palm Springs”, con Andy Samberg y Cristin Milioti (Star+) o “Emma” (Star+), con Anya Taylor-Joy como la heroína de una nueva transposición del universo literario de Jane Austen (hasta podríamos incluir aunque de manera algo forzada al musical “La La Land: Una historia de amor”, musical de a Damien Chazelle con Emma Stone y Ryan Gosling que en 2017 ganó seis premios Oscar y disponible en plataformas como HBO Max o Paramount+).

Tom Cruise y Rene Zellweger en Jerry Maguire 1996
Tom Cruise y Renée Zellweger en «Jerry Maguire» (1996)

Pero para encontrar una “época de oro” del género hay que retrotraerse hasta finales de los mencionados ’90 o principios de los 2000, cuando -por ejemplo- Renée Zellweger se lucía en “Jerry Maguire: Seducción y desafío” o “El diario de Bridget Jones”.

También de la primera mitad de los 2000 son varios largometrajes que tomaron elementos de la comedia romántica para llevarlos hacia lugares menos previsibles, más incómodos, más agridulces y enfermizos como, por ejemplo, “Embriagado de amor” (“Punch-Drunk Love”), de Paul Thomas Anderson, con Adam Sandler y Emily Watson (HBO Max); o “Eterno resplandor de una mente sin recuerdos”, de Michel Gondry, con Jim Carrey y Kate Winslet (Netflix y HBO Max).



Y en este repaso con mucho acento femenino no pueden faltar la Cameron Diaz de “Loco por Mary”, de los hermanos Farrelly (Star+); la Alicia Silverstone de “Ni idea”, de una directora que se destacó en el género como Amy Heckerling (Netflix y Movistar+), ni cineastas como Harold Ramis, Rob Reiner, Nora Ephron o Garry Marshall.

Superclásicos



Este viaje hacia el pasado y el corazón de la comedia romántica nos lleva hasta los clásicos: Audrey Hepburn es una figura insoslayable en films como “La princesa que quería vivir” (“Roman Holiday”, 1953), con dirección de William Wyler y el omnipresente Cary Grant como coprotagonista; “Sabrina” (1954), de un gran cultor del género como Billy Wilder, con Humphrey Bogart; o “Muñequita de lujo” (“Breakfast at Tiffany’s”, 1961), de Blake Edwards.



«La princesa que quería vivir» (1953), con Gregory Peck y Audrey Hepburn

Y así llegamos hasta los años ’30 y los ’40 para encontrar a “Un ladrón en la alcoba” (Trouble in Paradise” (1932); “Ninotchka” (1939); y “El bazar de las sorpresas” (“The Shop Around the Corner” (1940), todas de ese maestro del humor que fue Ernst Lubitsch; dos de George Cukor como la apuntada “La pecadora equivocada” (1940) y “La costilla de Adán” (“Adam’s Rib”, 1949), con Spencer Tracy y Katharine Hepburn; “Las tres noches de Eva” (“The Lady Eve” (1941), de Preston Sturges, con Barbara Stanwyck y Henry Fonda; o “La adorable revoltosa” (“Bringing Up Baby”, 1938), del gran Howard Hawks, también con Katharine Hepburn y Cary Grant.



Por supuesto, se trata de una lista somera, caprichosa e inevitablemente incompleta. Cada cinéfilo o cinéfila podrá sumar sus favoritas. Por suerte, la historia del cine está llena de comedias románticas, de parejas que se aman, se odian y se vuelven a amar, de malos entendidos que terminan bien, de contextos dominados por el cinismo o la crueldad pero en los que a la larga el amor se termina por imponer. El cine como bálsamo, como catarsis, como ideal romántico, como poder curativo contra todos los males de este mundo.

Reflexiones de la vida diaria: «Consumidos por el consumo»

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Hoy, en exclusiva, desde la vida cotidiana, nuestro enviado especial, Adrián Stoppelman, se interna en las entrañas del consumismo. Léalo con sumo cuidado.

Telam SE

Consumidos por el consumo


Una vez que cayó el comunismo, el claro vencedor fue el consumismo. Que no solo derribó el muro de Berlín: también generó una devoción, una religión. Y así como para el cristianismo el día santo de la semana es el domingo, para el Islam el viernes y para el judaísmo el sábado, los que profesan la religión del consumismo tienen su día santo: El Black Friday.

Allí profesan su devoción por las compras en cuotas, sus alabanzas a las ofertas y rinden culto a un dios pagano. Perdón Paga… No.

Muchos de nosotros nos sentimos afuera del consumismo. Algunos por ideología y otros por falta de dinero. ¿Y por qué antes no pasaba? ¿Porque estaba el comunismo? No. Porque había menos publicidad. No estábamos tan expuestos a la tentación permanente.

Como los avisos de los bancos. Hay algunos sensacionales, con gente que baila, que viaja, que compra, gente muy pero muy feliz con el banco. ¿Conocen a alguien que tenga ganas de saltar y bailar por su banco? Deberían ser más realistas las propagandas de los bancos. En lugar de saltar y cantar, tendrían que ponerte esperando 4 horas que te atiendan en el call center, haciendo la infinita cola para pagar, o agarrando de las solapas al gerente. 
Y las publicidades de seguros y bancos son más atrayentes que las de flancitos para chicos. Con decirte que mi sobrina de 9 años en vez de un flancito el otro día en el Chino me dijo: “Tío: ¿acá no tendrán préstamos personales?”

¿Y notaron que ahora las propagandas de yogurt y de laxante se parecen cada vez más? ¿Será porque con tantas porquerías que le meten a los yogures tendrán el mismo efecto que un laxante? Porque le ponen lactobacilos, bactobasilus, caramelos Sugus…

Y a medida que vas creciendo, aumenta el bombardeo de la publicidad y disminuye tu capacidad de compra con la jubilación. Y hasta incluso te das cuenta que te estás poniendo viejo cuando el aviso de recuperación capilar te interesa más que el programa que estás mirando.

Y lo peor de todo: como estamos desesperados por consumir, somos capaces de tolerar todo tipo de humillaciones. Como que te revisen el billente a ver si es falso en tu cara. Y cada vez que me lo hacen yo estoy a punto de decirle: “¿Vos creés que si yo pudiese falsificar billetes estaría comprando en esta pocilga?”

Subirse a un avión. Es un suplicio. No te tratan más como “pasajero”. Ahora sos sospechoso. Sobre todo si viajás en clase económica. Se ve que a los terroristas no les alcanza la plata para pagar un asiento en Primera. Y te revisan hasta el tracto digestivo. ¿Con qué derecho te revisan?

Los que te revisan llevan una identificación de plástico que dice: “José”. No tienen placas de policía. No son policías. ¿Cómo te das cuenta que no son policías? Fácil: si un tipo lleva una placa que se puede planchar… ¡no es policía!

Y el trato a bordo. Antes era un lujo. Dentro de poco, en lugar de darte una gaseosa, va a pasar la azafata con una botella de gaseosa con una pajita y te va a permitir tomar un sorbo. Y lo vamos a tolerar.

No podés llevar shampú, o crema para las manos. Los de seguridad, ¿creerán que todos somos McGyvers capaces de armar una bomba con un cuchillo de plástico y un frasquito de aceite Johnson y Johnson?

Pero soportamos todo estoicamente porque si no, no nos dejan consumir. Y lo soportamos porque nos creemos todo lo que nos dice la publicidad. Hay tanta propaganda de medicamentos, que mucha gente cree que sabe todo sobre medicina y va y se automedica porque cree que la propaganda es un diagnóstico: “¿Dolor de cabeza?” “¿Dolor de espaldas?” “¿Dolor de testículos?” Si. Es genérico: a cierta edad te duele todo. Y nombran tantos dolores que alguno vas a tener.

Es como buscar los síntomas en Wikipedia: tenés todas las enfermedades del mundo. Pero la gente va y compra el remedio y se automedica. Yo tengo un amigo que dejó de ir al médico. Pero toma tantos remedios que te abraza y te cura la tos.

Y hay negocios en los que, una vez que compraste todo, ¡tenés que pasar por el guardia de seguridad que chequea que te estés llevando lo que compraste! Ojo: no es para evitar errores y que te lleves algo por equivocación. No. Es porque desconfían de vos.Lógico: el ladrón cree que todos son de su condición. 
Y así como consumimos productos tangibles, también consumimos ideas, ideologías, noticias, modas, sentido común y odio. Que si lo vendiesen en los supermercados, se vendería más que  un producto de primera necesidad. Es más: lo venderían en envases con corazoncitos.

Y si. Ya sé. No es tan gracioso lo que digo, pero bueno… no solo de chistes vive el hombre. También de productos enlatados, que es lo que tengo que ir a comprar, porque vi que salió un nuevo vodka con jugo de pomelo, cilantro, tofu, hongos shitake y mondongo a la española y lo tengo que comprar: vi la propaganda y todos los que lo toman, son felices.

Para Andrea Politti un final elegido por el público «Es una experiencia teatral atípica»

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La actriz y conductora consideró que «es la primera vez que se va a mostrar algo así en la Avenida Corrientes», en virtud de la particular configuración narrativa que abarca tres posibles finales.

Andrea Politti estrena Tira salvajes en el centro porteo Foto Alfredo Luna
Andrea Politti estrena «Tira salvajes» en el centro porteño. / Foto: Alfredo Luna

La actriz y conductora Andrea Politti aseguró que la nueva obra que protagoniza, «Tijeras salvajes», representa «una experiencia teatral atípica» y consideró que «es la primera vez que se va a mostrar algo así en la Avenida Corrientes», en virtud de la particular configuración narrativa que abarca tres posibles finales a partir de la participación activa de los espectadores.

La obra, dirigida por Manuel González Gil y con un elenco conformado por Politti, Mario Pasik, Alejandro Müller, Diego Reinhold y Linda Peretz, se estrenará este jueves en el teatro Multitabaris.

La propuesta, que debuta a las 20.30 con funciones de miércoles a viernes, dos presentaciones los sábados a las 19.30 y 21.30 y los domingos a las 19.30, abarca géneros como el policial, la comedia y el drama con una particular participación activa del público en el desenlace de la trama.

La obra transcurre en la peluquería del personaje encarnado por Müller, por la que pasan su asistente, Politti, clientes interpretado por Pasik y Peretz, donde ocurre un crimen que es investigado por Reinhold sobre el cual el público tiene el rol de jurado y, a partir de allí, optar por uno de tres finales posibles.

En diálogo con Télam, Politti y González Gil contaron la particular mecánica argumental de la obra y las dificultades para atravesar el formato, sobre el cual ambos subrayaron su carácter «único y novedoso».

«Es una comedia, con un asesinato… una obra que tuvo 14 millones de espectadores en el mundo, siete premios en Estados Unidos pero uno de las cosas que más me gustó, además de la dirección del brillante Manuel González Gil, es que entendí la fascinación de él por la obra», explicó Politti.

Sobre ese punto, agregó: «Si bien hasta un momento la obra es normal, hay otro momento en el que sucede un crimen y lo más interesante es que nosotros estamos ensayando tres posibles finales, lo cual es un desafío porque no es fácil y hay que tener en mente esas tres variables que, quizá alguna de ellas, no las hagas durante meses porque el juez va a ser el público».

«Es una obra que estoy muy convencida de que es para el público argentino, que necesita estímulo porque estamos todos con los celulares y cuando entran al teatro te obligan a apagarlo, así que si vas a apagarlo, mejor ofrecer algo que sea bien dinámico para no morirse de embole.

Andrea Politti

«Entonces, en base a lo que ve va a decir ‘el asesino es tal’, votando con mano levantada. Así que no vamos a saber realmente a quién va a elegir el público todas las noches, entonces nosotros tenemos que tener muy claras tres escenas. De esa manera, si algún espectador sale del teatro y anda diciendo que el asesino era tal, de todas formas no se sabe qué va a pasar al otro día. Porque los tres tienen muchas razones para ser sospechosos», indicó la actriz sobre el peculiar formato.

Télam: ¿Qué es lo que más te atrajo del proyecto?

Andrea Politti: Una de las cosas que me interesó muchísimo es que es una experiencia teatral atípica y creo que es la primera vez que se va a mostrar algo así en la Avenida Corrientes. El elenco es divino y además va a estar mi hijo Galo Hagel, que es hermoso acompañarlo en este debut en el escenario. A mí me habría encantado laburar con mi viejo que también era actor, Luis Politti, y no se pudo dar pero ahora por suerte sí se da con mi hijo.

T: En cuanto a género, ¿se maneja una comedia policial o directamente comedia negra para la clave de humor?

AP: Es difícil definirlo desde ese punto de vista, lo cual me parece muy atractivo. Porque todos los géneros son complicados para hacer, pero este no es fácil o difícil sino que es diferente totalmente. Nos obliga a estar en una cuerda en la que sí es comedia, pero también es algo más. Porque lo tenés que hacer muy en serio porque estamos hablando de un asesinato, así que nos lleva a un lugar muy lindo para explorar como actores. Porque es todo risas y, de golpe, hay un crimen y un culpable y se lo van a llevar preso.

T: ¿Qué reacción esperás del público considerando este formato tan inusual?

AP: Es una obra que estoy muy convencida de que es para el público argentino, que necesita estímulo porque estamos todos con los celulares y cuando entran al teatro te obligan a apagarlo, así que si vas a apagarlo, mejor ofrecer algo que sea bien dinámico para no morirse de embole. Esto es lo genial de esta obra. Alguien muy joven me dijo que este era el futuro de las obras. Ojalá seamos de vanguardia y esto suceda porque me tiene entusiasmada. Porque siempre el público completa el espectáculo, pero en este caso va a opinar y ser juez, me parece que ese es el plus que la va a hacer diferente. Creo que puede ser muy atractivo para la gente joven, que no es tanto la que suele ir al teatro.

T: ¿Cómo se dio la génesis del proyecto?

Manuel González Gil: Es una obra muy transitada en todo el mundo. Solemos viajar todos los años con mi esposa para ver teatro y saber qué cosas hay en cartel, en Madrid, París, Nueva York y Londres. Esta obra la vimos en París hace como cinco años. Y se me ocurrió que podía funcionar en Buenos Aires. La traté de traer pero sin éxito. La volví a ver en México y volví a ver el mismo aluvión que se da en el público. Así que insistí y, finalmente, se le pudo dar forma. Es una obra muy especial: jamás dirigí algo con estas características. Porque, por un lado, es una comedia y, por el otro, un drama y una tragedia. Es verdaderamente rara en su género, que es el condimento que le ha hecho tener tantos espectadores.

T: ¿Cómo resumirías la trama en relación con la participación del público?

MGG: Es un policial, un asesinato que se produce en una peluquería y el misterio está en que el público empiece a sentir que no sabe cómo pero está en la peluquería viendo ese crimen. Porque la obra a partir de determinado momento empieza a no tener continuidad: el autor no la escribe, la va escribiendo el público con su participación involuntaria, por eso tiene varios finales y es totalmente atípica. Es muy rara la química que se da, no entre los actores y el público, sino entre los personajes y el público. Química que hay que verla todas las noches porque cambia radicalmente. Por eso tenía la preocupación de convocar a un elenco que pudiera tener la capacidad de incorporar un estímulo que es el público y una ocasión.

Falleció la actriz Diana Maggi

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Tenía 97 años y había desarrollado una amplia trayectoria en televisión, cine y teatro, que le valió recibir los premios Podestá a la Trayectoria Honorable, en 1997; el Martín Fierro, en 1974; y el Konex, en 1981.

La actriz taloargentina lleg al pas de chica debut en el Coln y forj una carrera de 80 aos de vigencia
La actriz ítalo-argentina llegó al país de chica, debutó en el Colón y forjó una carrera de 80 años de vigencia.

La actriz ítalo argentina Diana Maggi, con amplia trayectoria en televisión, cine y teatro y que conoció el reconocimiento popular, falleció esta mañana en su domicilio, informó la Asociación Argentina de Actores.

«Con gran dolor despedimos a la actriz y afiliada Diana Maggi. Con una trayectoria artística de más de ocho décadas en Argentinay en España, se destacó en teatro, cine, televisión, radio y teatro. Nuestras condolencias a sus seres queridos, abrazándolos en este duro momento», señala el comunicado de Actores.

De Milán a Argentina

Nacida en Milán en junio de 1925 bajo el nombre de Graziosa Maggi, la actriz llegó a la Argentina de muy pequeña y debutó en un escenario en la ópera Aída, como miembro del ballet infantil del Teatro Colón.

Dueña de una notable ductilidad y con un encanto y humor desbordantes, Maggi enhebró una carrera de más de ocho décadas de trayectoria en el país y con paso profesional por España, debutando en cine en 1938 en «Mujeres que trabajan» con Niní Marshall.

Su filmografía, con títulos y actividad muy destacada en la década el 50, incluye películas como «Frontera Sur» (1943), «La doctora quiere tangos» (1949), «Nacha Regules» (1950), «El hincha» (1951), «Mi noche triste» (1952), «La tigra» (1953), «La delatora» (1955), «Hotel alojamiento» (1966), «¡Qué noche de casamiento!» (1969), «El extraño de pelo largo» (1970), entre otros.

TRAYECTORIA DE DIANA MAGGI

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En televisión

En televisión protagonizó varios sucesos, principalmente como avezada comediante junto a Jorge Porcel y en el ciclo «Matrimonios y algo más», de Hugo Moser, donde compuso el popular personaje de «la Vieja Loló», que siempre quedaba patinando en la anteúltima sílaba de las palabras y luego de varios intentos lograba finalizar.

También tuvo papeles en programas como «Alta Comedia», «Los Libonatti», «Manuela», «Poliladron», «Buenos vecinos», «Viernes de Pacheco», «Mujeres en presidio», y «Teatro como en el teatro», entre otros.

En 1997, la Asociación Argentina de Actores y el Senado de la Nación le entregaron el Premio Podestá a la Trayectoria Honorable. También obtuvo el premio Martín Fierro y el Konex.


En teatro se destacó en obras como «La Nona», «El proceso de Mary Duggan», «Se acabó el biógrafo», «La muchachada del centro», «Petit Café», «Los tres mosqueteros gitanos», «Mattinata», «Adiós… plata mía», «La coronación de la risa», «La revista de los ases», «¿Usted viene por el aviso?», «Pasa cada cosa», entre más.

Estuvo casada con el actor Juan Carlos Dual, con quien se conoció en los ensayos de la obra teatral «La historia de la guita» y con quien convivió desde 1976 hasta el fallecimiento del actor en 2015.

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